Derrière chaque mètre de tissu imprimé se cachent de nombreux professionnels du secteur, qui mettent chacun leurs compétences au service de la fabrication des magnifiques textiles qui habillent nos intérieurs résidentiels et professionnels. La diversité des compétences requises dans le secteur de la production textile ne peut être sous-estimée.

Les technologies numériques ont débloqué le secteur de l’impression et permettent l’impression à la demande, une gestion agile des stocks avec des tirages courts utilisant des technologies vertes pour une production durable et efficace.

Cependant, la création, la conception et la production de tissus d’ameublement requièrent un ensemble de compétences tout aussi diverses – talent créatif et expertise.

Les concepteurs entament le processus en travaillant à partir d’un cahier des charges spécifique et détaillé qui comprendra un budget de conception et un point de prix défini pour le produit, qui doivent tous être atteints à l’unisson. L’équilibre entre le processus de conception et de production pour obtenir le produit requis dans le respect du budget crée souvent des défis opérationnels qui doivent être relevés. Le designer suivra et supervisera la fabrication des produits, de la conception à la production, afin de s’assurer qu’une réplique exacte du motif peint est réalisée sur le tissu, tout en respectant le CPA de lancement du produit et le budget spécifié.

Ce sont les compétences inhérentes au designer textile qui capturent l’esthétique de l’ameublement imprimé final en utilisant à la fois des processus numériques et manuels. Il continue à superviser la reproduction du motif peint ou hybride numérique sur la production imprimée finale, qu’elle soit numérique ou analogique (il supervise souvent aussi la photographie de marketing). Le concepteur d’imprimés commerciaux spécifie le support imprimé dans le cadre du processus créatif, puis crée et contrôle la palette de couleurs demandée afin de réunir une myriade de ressources qui, ensemble, permettent de créer une collection textile réussie et commercialement équilibrée. Toutes ces étapes sont sensibles au temps et doivent être gérées avec soin.

Nous avons rencontré Rebecca Craig, la créatrice à la tête des collections Sanderson et William Morris pour Style Library, afin de découvrir le parcours de création et de production de leur nouvelle collection de tissus d’ameublement pour le National Trust :

Pouvez-vous nous donner un bref historique de la marque Sanderson et des autres marques du groupe Style Library ?

Nous avons six marques au sein du groupe Style Library : Sanderson, Morris & Co, Harlequin, Zoffany, Scion et Anthology.

Sanderson : Créé par Arthur Sanderson en 1860 en tant que distributeur mondial de papiers peints de haute qualité, Arthur a progressé dans la production de ses propres papiers peints et tissus. Les créations Sanderson ont toujours été diverses et distinctives, s’inspirant de la nature, du style campagnard anglais et des fleurs. Cette année, Sanderson célèbre son 160e anniversaire.

Morris and Co : William Morris a créé son entreprise de décoration en 1861 avec un groupe d’amis en proposant de magnifiques produits artisanaux et du mobilier pour la maison. Il est considéré par certains comme le plus grand designer de tous les temps et l’une des figures les plus remarquables du mouvement Arts and Crafts.

Harlequin : Créée il y a une trentaine d’années, la marque Harlequin signifie « varié dans la couleur ou la décoration ». Avec ses looks inspirés des défilés et ses techniques de conception et de production innovantes, les tissus et papiers peints Harlequin aident les consommateurs à créer une déclaration de mode assurée dans leur maison.

Zoffany : Zoffany est notre marque de luxe pour ceux qui recherchent l’artisanat et l’intégrité artistique. Adoptant une approche sophistiquée, le studio s’appuie sur de nombreuses sources différentes, notamment des technologies innovantes, des designs contemporains et ses propres archives historiques de tissages, de velours et de revêtements muraux, datant pour la plupart des XVIIe et XIXe siècles.

Scion : Une marque dynamique pour tous, avec des couleurs vives, des designs épurés d’inspiration scandinave et des idées fraîches pour un mode de vie moderne.

Anthology : Anthology a vu le jour en 2014 en tant que nouvel ajout innovant au marketing des revêtements muraux avec des finitions créatives et des textures subtiles pour le marché domestique et commercial. En 2016, la marque a ajouté une collection de tissus de qualité contractuelle pour poursuivre le thème urbain avant-gardiste d’Anthology pour les espaces contemporains.

Comment est née la collection National Trust pour la marque Sanderson ?

Le National Trust a contacté Style Library pour une collaboration, montrant un intérêt particulier pour Sanderson. Nous avons senti une synergie naturelle entre les deux marques en termes de valeurs, de clients et d’amour partagé de la campagne anglaise – quoi de plus parfait !

Quelle était la vision de cette nouvelle collection collaborative ?

Cette collaboration réunit Sanderson, dont les thèmes floraux s’inspirent de la nature et de la campagne anglaise, et la plus grande organisation caritative de protection de la nature d’Europe, qui s’occupe de lieux de beauté, d’histoire et de nature depuis 125 ans.

La collection donne vie aux valeurs du National Trust et à son engagement à prendre soin de notre patrimoine naturel et culturel. Elle s’inspire de l’étendue des propriétés et des paysages dont s’occupe le National Trust et s’appuie sur des documents originaux provenant des vastes archives Sanderson pour créer une gamme de tissus botaniques magnifiquement dessinés.

Comment vous êtes-vous renseigné sur le projet et qu’est-ce qui vous a le plus inspiré ?

Entermes de recherche, nous avons travaillé en étroite collaboration avec l’équipe du National Trust pour mettre en évidence les lieux et les projets clés qui témoignent de l’étendue et de la diversité du National Trust et des histoires qu’il souhaite raconter.

Je suis membre du NT depuis plus de dix ans et j’ai visité de nombreuses propriétés avec ma famille, mais j’ai été complètement submergée et ravie par la quantité d’inspiration et de références avec lesquelles nous avons pu travailler – c’est vraiment un trésor pour un designer. Le seul problème a été d’affiner toutes les idées pour en faire une collection gérable.

Finalement, nous avons décidé que le fil conducteur de la collection était d’évoquer les souvenirs spéciaux créés par ces sorties et de les ramener à la maison.
Nous avons décidé de nous concentrer sur les cinq thèmes captivants suivants :
‘Under the Greenwood Tree’, ‘The Lookout’, ‘The Fens’, ‘Country House’ et ‘The Secret Garden’, chacun explorant la raison d’être du National Trust et, associé à des documents provenant des vastes archives de Sanderson, créant une histoire de design unique et convaincante.

Les planches d’ambiance sont une excellente source d’inspiration pour les designers. Quels sont les éléments clés les plus importants ?

Nous créons des planches d’ambiance et des planches de couleurs pour communiquer l’aspect et l’ambiance d’une collection avant même de commencer la conception. Ils permettent à tous les membres de l’entreprise de s’aligner sur la vision du projet, de la conception à la mise en forme. Nous créons souvent plusieurs tableaux lors des étapes initiales ; il s’agit plutôt de tableaux de travail qui s’enrichissent au fil du temps. La créativité d’une collection étant un processus, il est important de permettre de nouvelles découvertes, idées et changements. C’est pourquoi nous adaptons et affinons souvent les concepts au cours du processus de conception et de coloration.

La clé de la réussite d’un panneau est l’édition, car les matériaux et les couleurs utilisés, ainsi que toutes les images, doivent fonctionner ensemble pour créer une histoire cohérente.

Nous créons des planches d’ambiance et des planches de couleurs pour communiquer l’aspect et l’ambiance d’une collection avant même de commencer la conception. Ils permettent à tous les membres de l’entreprise de s’aligner sur la vision du projet, de la conception à la mise en forme. Nous créons souvent plusieurs tableaux lors des étapes initiales ; il s’agit plutôt de tableaux de travail qui s’enrichissent au fil du temps. La créativité d’une collection étant un processus, il est important de permettre de nouvelles découvertes, idées et changements. C’est pourquoi nous adaptons et affinons souvent les concepts au cours du processus de conception et de coloration.

La clé de la réussite d’un panneau est l’édition, car les matériaux et les couleurs utilisés, ainsi que toutes les images, doivent fonctionner ensemble pour créer une histoire cohérente.

Comment avez-vous créé les dessins et à l’aide de quelles technologies ?

La collection est un mélange de tissus imprimés, tissés et brodés.
La plupart des imprimés ont été imprimés numériquement avec des colorants réactifs sur un mélange de coton et de lin BCI.
En outre, certains d’entre eux ont été imprimés à l’aide d’une nouvelle imprimante à pigments (Durst Alpha) qui permet de réduire la consommation d’énergie et d’eau d’environ 30 %.
Les motifs tissés sont tissés sur un métier à ratière ou jacquard et les broderies sont réalisées sur diverses machines à broder.
Les dessins sont peints à la main avec un mélange d’aquarelles, de gouaches et de crayons ou d’encres. Nous utilisons la technologie CAO pour nous aider dans la mise en page des répétitions, les séparations et la coloration avant de travailler avec les moulins.

Comment les bibliothèques de style préparent-elles les couleurs de leurs dessins et comment contrôlent-elles la gestion du flux de travail rotatif et numérique ? Écrans / Échantillonnage numérique ?

Au début de chaque projet, nous établissons un cahier des charges qui donne au studio un résumé de la taille de la collection, de l’assortiment de produits et du niveau de prix à atteindre.
Nous commençons ensuite à planifier la collection en termes de dessins individuels et de mode de production. Toutes les méthodes de production ont des tailles de répétition différentes, des nombres de couleurs différents et d’autres détails techniques qui doivent être pris en compte avant la conception.

Pour chaque thème, nous avons fait des recherches plus approfondies sur le lieu ou le sujet afin d’élaborer un cahier des charges pour le concepteur, de manière à ce qu’il ait une idée claire de l’aspect et des références à utiliser. Pour « The Fens », nous avons étudié les espèces indigènes de la région pour les intégrer dans la conception, ainsi que l’ambiance générale et l’éclairage à différents moments de la journée.

Le dessinateur crée une mise en page, généralement sous forme de croquis au crayon, et nous travaillons sur la distribution des couleurs à l’intérieur et sur la manière dont les autres couleurs peuvent être affectées. Le dessinateur crée ensuite un certain nombre de petits tableaux en utilisant différentes techniques de peinture et différents supports, jusqu’à ce que nous estimions que le projet est prêt à passer à l’étape de l’œuvre d’art finale.

Une fois les dessins terminés, nous évaluons à nouveau leur adéquation aux différents processus. Pour les broderies et les tissages, les dessins doivent être créés d’une manière spécifique afin d’être bien traduits dans les différents processus. Nous spécifions souvent le type de point de broderie dans les différentes zones du dessin, la composition de la base et les couleurs des fonds et des fils que nous voulons échantillonner. Ces échantillons sont produits en petite quantité pour approbation du point, de la couverture et de la couleur. Pour les motifs tissés, nous commençons souvent par un échantillon de qualité qui détermine le type de performance des fils et le nombre de couleurs que nous pouvons utiliser dans le motif. Les différentes couleurs sont tissées sur une couverture avec environ huit couleurs de chaîne dans la largeur et une variété de trames.

Nous assemblons des palettes et créons des idées initiales dans le studio à l’aide de la CAO, puis nous les emmenons à l’usine pour les tester sur différents tissus.

Les couleurs sont communiquées par le biais de références LAB imprimées sur papier, de fils, de tissus, d’échantillons de peinture et par voie numérique. Nous faisons appel à des fournisseurs extérieurs pour les tissages et les broderies et travaillons généralement avec des cartes de fils ou des échantillons Pantone.
Une fois que tout a été échantillonné, nous faisons notre sélection finale pour la collection et commençons à planifier la photographie pendant que la production en série est en cours. L’ensemble du processus prend de 6 à 9 mois.

Quelle était l’importance de la durabilité pour cette collection ? Et pouvez-vous nous parler des tissus utilisés ?

Nous avons estimé qu’il était impératif de nous aligner sur les valeurs et les initiatives du National Trust en termes de restauration et de conservation et de rendre la collection aussi durable que possible. Heureusement, à l’époque, « Standfast and Barracks », nos imprimeurs du Lancashire, développaient et investissaient dans une nouvelle technologie numérique pour nous permettre d’améliorer l’impact environnemental des processus de production.
Pour cette collection, tous les tissus imprimés, à l’exception du velours, ont été imprimés sur du tissu « BCI » (Better Cotton Initiative) qui garantit une production de coton durable dans le monde entier.

Pour cette collection, nous avons utilisé pour la première fois la nouvelle imprimante numérique à impression pigmentaire (Durst Alpha), qui nécessite moins de processus de préparation et de finition du tissu, ce qui se traduit par une réduction substantielle de la consommation d’énergie et d’eau.

Avez-vous constaté une demande croissante de textiles durables au sein de la clientèle de Style Library ?

Le désir de textiles durables existe depuis au moins dix ans, mais il a été très difficile à mettre en œuvre car les méthodes de production et les matériaux de base étaient difficiles à contrôler et souvent hors de prix. Nous assistons cependant à une nouvelle vague d’intérêt : les détaillants et les consommateurs ne se contentent pas de demander des produits éthiques et durables, ils les attendent et en font une priorité dans l’ADN de leur marque.
Cela conduit à un changement accéléré beaucoup plus excitant de la source de base vers les producteurs, de sorte que le consommateur final a plus de choix et n’a pas à compromettre le style, le confort ou la performance lorsqu’il s’engage dans un produit plus durable.

Dans le secteur du luxe, nous assistons à une utilisation créative et extrêmement raffinée des matériaux naturels, qui sont utilisés avec un effet stupéfiant.

Comment voyez-vous l’avenir de la production numérique ? Avez-vous l’intention de convertir les modèles historiques en un flux de travail numérique et d’accroître son utilisation au sein du groupe ?

La technologie numérique présente l’avantage de réduire l’impact sur l’environnement, d’abaisser les minima et d’offrir une meilleure qualité de traduction des dessins. Il est donc logique que la majorité des dessins soient produits de cette manière à l’avenir.

Nous examinons toujours un dessin imprimé et un coloris au cas par cas pour déterminer s’il peut être converti, la couleur de fond et les options de tissu dictant souvent la manière dont le dessin est produit.

J’aime personnellement l’impression à plat pour la pénétration des couleurs sur le tissu, la marque d’impression et l’aspect général d’un tissu imprimé à la main ou de manière conventionnelle, et je m’efforce de ne jamais compromettre l’intégrité du dessin, en particulier lorsqu’il s’agit de documents historiques.

Le papier peint numérique est de plus en plus populaire, en particulier pour les panneaux de grande taille, mais les effets métalliques, les perles, les encres de surface et d’autres effets spéciaux ne peuvent être reproduits à l’aide de la technologie numérique, c’est pourquoi nous utilisons toujours une variété de procédés.